Des politiciens surveillés par des caméras de reconnaissance faciale et intelligence artificielle pour traquer la moindre distraction.

The Flemish Scrollers (“Les scrolleurs flamands”) est un projet signé de l’artiste belge Dries Depoorter, lancé lundi 5 juillet 2021 en ligne, et qui analyse en direct le flux des réunions du Parlement flamand sur YouTube, en quête des politiciens “distraits” par les réseaux sociaux.

Ce “service public divertissant” est pour l’artiste une manière de critiquer les “dangers de la reconnaissance faciale”, explique-t-il au média américain, qui attend impatiemment que l’artiste ouvre le code du programme pour le voir appliqué aux sessions du Congrès américain.

The Flemish Scrollers ressemblent “beaucoup au programme Rekognition d’Amazon”, qui accuse un taux d’erreur de près de 35 % pour les femmes à la peau foncée notamment. Une ressemblance pas vraiment fortuite. L’artiste Dries Depoorter “rappelle les innombrables abus de la police, qui se trompe dans l’identification des suspects en ayant recours aux caméras des smartphones, aux interphones, aux publications des réseaux sociaux et aux caméras de surveillance”.

Retourner les outils de la reconnaissance faciale contre les hommes politiques “pourrait aider à limiter ses conséquences dévastatrices et motiver les législateurs à agir”, explique le site. Pour le moment, c’est aux Flamands de “demander à [leurs] représentants de faire leur travail” sur le fil Twitter du projet.

L’hommage à Johnny Hallyday se transforme en histoire à dormir debout..... Quelle idée, pour célébrer l’idole des jeunes, de s’adresser à un artiste d’A.C.comme Bertrand Lavier, l’homme qui met un frigo sur un coffre-fort ! Notre conceptuel national projette de percher une vraie moto, une Harley, sur un manche géant de guitare, devant l’Accor Aréna de Paris. Fureur des écolos qui y voient une apologie de la pollution et du machisme réunis. Personne ne parle de la pollution visuelle par un kitsch pétaradant. Comment le nom de Lavier est-il sorti du chapeau, où sont les appels d’offre, les concours républicains ? Mystère.

Par ailleurs, sur quels critères seront choisis les heureux bénéficiaires des grandes commandes relançant la création après le Covid ? D’où sort le comité ad hoc de 9 « professionnels », réunis sous la houlette de B. Blistène, pour la distribution de la manne financière, soit trente millions d’euros d’argent public ?

LE GRAIN DE SEL - Christine SOURGINS

Marcel Broodthaers - Invitation pour sa première exposition personnelle

à la Galerie Saint-Laurent - Bruxelles, 10-25 avril 1964

LE GRAIN DE SEL

« Où sont les photographies érotiques d’hommes ? » Cette question ouvre le manifeste de Lusted Men. La réponse devrait être évidente, et pourtant il est difficile de pointer ces images du doigt. Loin de souligner une simple négligence partagée vis-à-vis de ces représentations, elle met en lumière un refus bien réel de montrer une érotisation du corps masculin**. C’est le constat de ce vide qui propulse le projet. « Ces images existent, elles sont même nombreuses, mais elles restent souvent cachées dans les tiroirs ou les imaginaires, explique le collectif, car l’érotisme est un champ principalement associé à la féminité. La culture visuelle a en effet appris aux femmes à se mettre en valeur, à se laisser observer et à se dévoiler face caméra ». Lusted Men a lancé une collecte massive de ces images, ouverte à toutes et tous, et a recueilli déjà plus de 230 propositions, et plus de 1000 photos. Longtemps attendu, cet appel à contributions amorce une nouvelle archive visuelle de l’intimité contemporaine. C’est une page qui se tourne enfin dans la représentation du corps masculin.

« À une époque où on est tous capables de capturer des images, qui sommes-nous pour dire ce qu’est une bonne photographie érotique ? », déclare Laura Lafon, photographe et iconographe, membre du collectif. Une fois le gouffre de ce manque de représentation découvert, le besoin de montrer cette façade devient indéniable. C’est avec surprise qu’on prend connaissance du projet de Lusted Men, mais c’est avec grande conviction qu’on y adhère. Sujet jusque-là ancré dans l’histoire de la photographie homoérotique avec George Platt Lynes ou encore Robert Mapplethorpe, ce sont en majorité des femmes qui participent à la collecte de Lusted Men : une preuve de la résurgence d’un female gaze.

Projet à la fois artistique et militant, la collecte photographique devient une pratique à portée sociologique. Invité.e.s à répondre à un questionnaire, chaque participant.e évoque son rapport à l’érotisme masculin. Allant du nu réalisé en studio, à la spontanéité du selfie post-coïtal, la quantité seule suffit pour reconnaître le besoin débordant de montrer ces images. « Il faut cesser de penser le désir comme unilatéral et asymétrique, entre le masculin actif et le féminin passif. Tant qu’il y aura des corps, il y aura de l’érotisme à les regarder. L’érotisme n’a pas de genre », raconte une participante : la photographe Chloé Sassi. Un autre, le photographe Arthur Hervé se souvient : « Après avoir pris quelques photos de ma concubine, nous avons inversé les rôles. Je me déshabille, elle passe de l’autre côté de l’appareil photo. Full débrayage. Empirique, instant improvisé, extatique ». À la voix des professionnel.le.s s’ajoutent celles des amateur.trice.s, comme Marie Tchou : « Le regard que l’on porte sur un corps qu’on aime est forcément transcendantal. C’est aussi une manière de figer un moment de désir ». Et ce désir, les photographes le saisissent au vol, avec passion – aussi bien dans l’intimité d’une chambre, que lors d’escapades en pleine nature.

https://www.fisheyemagazine.fr/decouvertes/actu/ou-sont-les-hommes-nus/

**Le plus caricatural de ce manque sont les clips de rap : danseuses se déhanchant dans des poses suggestives dans des mini-tenues et rappeurs habillés à l'extréme avec doudoune et capuche avec une gestuelle guerriére pour bien affirmer leur virilité ....... très loin de l'esthétique androgyne de David Bowie.

La photographie déclassée au ministère de la Culture – janvier 2021

C’est un coup dur pour le monde de la photographie et de l’image, qui a fait peu de bruit et qui n’augure hélas pas du meilleur à l’avenir. On vient en effet d’apprendre que le 31 décembre dernier, un décret publié dans le Journal officiel précisait une réorganisation au sein du ministère de la Culture, déclassant la photographie en tant que « bureau ». Soit une sous-catégorie et non plus un département à lui seul comme elle l’était jusqu’à présent, au même titre que la danse, la littérature, le cinéma, la musique ou le théâtre. L’image et la photographie avaient longtemps attendu d’être classées en tant que domaine, plus de cinq ans depuis que cette initiative avait été lancée par Frédéric Mitterrand quand il était ministre de la Culture. C’était Françoise Nyssen qui avait alors officialisé la chose. En vain, puisque le ministère actuel vient de déclasser la photographie.

Le bruit courait depuis quelque temps déjà, au point que photographes et agences avaient publié des tribunes dans les journaux et les réseaux sociaux, alerté les pouvoirs publics sur leur situation précaire et leur statut particulier. Ce rétropédalage voudrait alors signifier que la photographie n’est pas considérée au rang d’art, ce qu’elle est pourtant, en témoignent si besoin en était, les nombreuses expositions de photographies organisées chaque année dans les musées du monde entier ou les institutions culturelles dédiées, telle la MEP (Maison Européenne de la Photographie). Il lui reste un dernier recours pour être considérée à nouveau, même si cela prendra du temps : la création d’un Centre National de la Photographie, au même titre que le Centre National de la Cinématographie. En espérant que cela pourra voir le jour prochainement…

https://www.art-critique.com/2021/01/photographie-declassee-ministere-culture/

Note : Déja au XIXéme S, de nombreux débats virulents dénis à la photographie d'être un art puisqu'elle est obtenue par un procédé mécanique (l'appareil photo). Est-ce le retour de cette polémique ?

Voir l'ouvrage de Eléonore Challine "Une histoire contrariée. Le musée de photographie en France (1839-1945) - Edition MACULA

Ou, la photographie, lorsqu'elle n'est pas un procédé mémoriel au service de la construction d'une histoire dirigée (Ex. le statut de la photo dans les régimes de dictature), est un témoin génant et difficilement controlable (Ex. la polémique sur l'Art.24 de la Loi de sécurité globale)?

Ca s’est passé à Tokyo au début de la semaine et tout ne s’est pas déroulé comme prévu. Une galerie d’art proposait en effet une exposition d’un genre tout particulier, puisqu’il était permis aux visiteurs de voler l’œuvre de leur choix. Un événement qui était prévu uniquement aux habitués de la galerie, mais qui s’est retrouvé répandu sur les réseaux sociaux. Résultat des courses, pour le jour de l’ouverture de l’événement prévu dans la nuit de jeudi à vendredi derniers, plus de 200 personnes étaient déjà présentes. Tant et si bien qu’il a été décidé d’ouvrir un peu plus tôt que prévu. Les visiteurs, excités par le concept, se sont pressé dans la galerie et ont effectivement tout dévaliser. En moins de dix minutes, il ne restait plus rien dans le lieu, alors que l’exposition était censée durer au moins dix jours. Des policiers sont même intervenus sur place, pensant à un réel cambriolage en bandes organisées. Mais les organisateurs de l’événement sont parvenus à les rassurer. Tota Hasegawa, à l’origine de ce projet « d’exposition escamotable » souhaitait à la base créer une expérimentation visant à transformer la relation entre artistes et public.

Si toute l’opération s’est tout de même réalisée dans le calme même si certaines personnes étaient ravies de commettre un acte transgressif, il y a tout de même un hic que les organisateurs ont souligné : certaines des œuvres se sont retrouvées sur des sites de ventes aux enchères quelques heures à peine après avoir été dérobées. Et à des prix dépassant nettement leur valeur officielle, allant jusqu’à plus de 100 000 yens. Tant et si bien que les organisateurs ne sont pas certains de vouloir renouveler l’opération.

Sur ART CRITIQUE le 14 juillet 2020

https://www.art-critique.com/2020/07/exposition-possible-voler-oeuvres-art/

L’art contemporain est-il politique ?

https://www.art-critique.com/2020/03/art-contemporain-est-il-politique-1-3/

Par Orianne Castel Publié le 6 mars 2020

1 - Le constat a été fait par de nombreux théoriciens de l’art. Alors que l’art moderne s’était constitué en activité autonome, l’art contemporain souhaite se réinscrire dans le cadre de la société. Mais, plus encore, alors que les premiers artistes post-modernes le faisaient sur le mode de la transgression, cherchant à remettre en cause le consensus moral, les artistes occidentaux d’aujourd’hui défendent les valeurs dominantes de nos systèmes démocratiques et libéraux. Ainsi, alors que les œuvres subversives avaient pour but de questionner un état de fait jamais remis en question, les « œuvres à thème » contemporaines traitent de sujets d’actualité : problématiques de classes, de race, de genre ou d’écologie. Dénonçant les inégalités passées ou se faisant l’écho de revendications égalitaires présentes, l’« artiste à sujet » n’incarne plus la provocation, il est un modèle de vertu qui dit œuvrer en faveur de l’émancipation.

Mais au-delà des notes d’intention, peut-on vraiment parler de politique pour qualifier ces œuvres à thème et artistes à sujet? Cette première tribune s’attachera à montrer l’incapacité des œuvres de ce genre à modifier les comportements. Elle sera suivie d’une deuxième qui exposera la conception réduite de la politique sur laquelle s’appuient les artistes qui les conçoivent. Enfin viendra un dernier texte visant à témoigner de la manière dont ce type d’art dépolitise l’expérience perceptive de l’œuvre. L’ensemble de ces écrits a pour objet de démontrer que l’art envisagé comme moyen de communication n’a de politique que le discours dont il s’enveloppe.

Que les artistes se sentent concernés par les situations précaires de certaines minorités ou, si l’on intègre le sujet du réchauffement climatique, de l’humanité tout entière, n’est évidemment pas un problème. Nous ne pouvons par ailleurs que nous réjouir que l’art s’ouvre à une diversité ethnique, sexuelle et genrée reflétant la réalité et portant sur elle des regards spécifiques. Mais ces considérations ne doivent pas nous interdire de garder un regard critique sur l’évolution politique du statut des œuvres. Avec la philosophe Carole Talon-Hugon, il est nécessaire d’interroger le pouvoir effectif de ces dernières de faire évoluer les comportements.

En effet, bien que l’artiste « juste » ne soit pas l’artiste « rigolard » à la mode Fluxus et qu’à ce titre il puisse mériter le qualificatif de « sérieux », il n’est pas pour autant un savant. À l’inverse des scientifiques qui révèlent les structures de domination et donnent ainsi potentiellement aux individus les moyens de les déconstruire, le constat de l’injustice ou la mise en fiction de sa réparation donnent peu de prise à l’action. S’indigner contre les faits, passés ou actuels, ne dit rien des mécanismes qui les ont rendus ou les rendent possible et ne permet donc pas de prévenir leur retour ou de stopper leur développement.

Par ailleurs, les photographies et vidéos à visée publicitaire, de divertissement ou d’information, qu’elles soient affichées sur les murs, publiées dans la presse écrite, diffusées à la télévision ou partagées sur internet, constituent l’essentiel de notre environnement perceptif. Les symboles comme les documents utilisés par les artistes ne peuvent rivaliser avec les images qui prolifèrent notamment sur les écrans. Les plateformes numériques restent bien plus visitées que les espaces d’expositions (foires, musées, centres d’art et galeries confondus).

Enfin, si l’art peut avoir cette capacité d’ébranler et de faire naître des sentiments qui seront peut-être suivis d’effet une fois sortis du white cube, la question reste posée du nombre de personnes qui s’autorisent à entrer dans cet espace immaculé. À l’exception de l’art des commandes publiques qui se déploient dans les rues des banlieues comme sur les ronds-points des campagnes et touchent donc un large public, l’art contemporain s’adresse à une infime portion de la population.

Par ailleurs, cette fraction en contact avec l’art contemporain n’est peut-être pas la moins sensible aux difficultés d’existences des minorités ni à l’urgence climatique et ce alors même que les institutions, qu’elles soient privées ou publiques, suivent des logiques de rentabilité économique (ou a minima d’équilibre) qui les incitent à prévoir des programmations en fonction de l’auditoire attendu. Certaines d’entre elles n’hésitent pas à demander aux artistes des pièces « moins militantes » pour les périodes durant lesquelles leurs lieux sont fréquentés par un public plus large qu’à l’accoutumé.

Ainsi, si nous pouvons nous réjouir de voir apparaître des artistes qui mettent fin à la surenchère de provocations et propositions chocs dont la présentation dans le cadre d’un système marchand rend caduque la dimension transgressive et si nous pouvons apprécier de voir émerger des artistes concernés par l’état du monde, le statut politique des œuvres doit être mis en perspective relativement à l’efficacité de l’art conçu comme mode de communication.

la suite sur :

https://www.art-critique.com/2020/04/lart-contemporain-est-il-politique-2-3/

https://www.art-critique.com/2020/05/lart-contemporain-est-il-politique-3-3/

L'art contemporain comme question philosophique : un essai sur les relations entre art et politique et sur la manière dont la prétendue radicalité de l'art contemporain apparaît comme liée voire assujetti à l'idéologie libérale actuelle, à l'encontre de la possibilité de tout changement social effectif.

Il est difficile de concevoir un art qui soit aussi étroitement lié à son présent que ne l'est l'art contemporain. En effet, l'art contemporain est issu d'une rupture inouïe avec les pratiques artistiques du passé. Il semble prendre son point de départ dans une profonde amnésie par rapport à ce qui le précède. Les distinctions esthétiques traditionnelles, entre forme et contenu, autonomie et hétéronomie, ou oeuvre et critique, ne sont plus pertinentes quand il s'agit de cet art.
Mais qu'est-ce alors que l'art contemporain ? Cette question a pu être posée par l'historien, le théoricien, voire le sociologue de l'art. Mais elle n'a pas encore été soulevée comme question philosophique – comme question qui cherche à établir l'essence de l'art contemporain. La réponse donnée, dans ce livre, à ladite question est double. D'une part, elle est positive: dans son essence, l'art contemporain est la fiction d'un pur faire. D'autre part, elle est négative : l'art contemporain est le site où se révèle comme nulle part ailleurs l'idéologie politique du capitalisme néolibéral.

LA GALERIE 8CO 119

Appel à candidature

Nous collaborons avec Foto Femme United (FFU) pour lancer leur tout premier concours photographique, et exposition sur le thème de la censure dans les médias. L’exposition pop-up aura lieu du 12 au 19 mars 2020. L’appel ouvert a commencé le 30 Décembre 2019 et se termine le 15 février 2020 à minuit. Le concours est gratuit et ouvert aux personnes binaires, non-binaires, femmes cisgenres et transgenres.

SAISIR L’OCCASION D’EDUQUER

FFU  affirme que la censure de l’art sur les réseaux sociaux est non seulement gênante : impitoyable tout en étant aléatoire, mais qu’elle cache une dimension plus profonde. April Wiser, fondatrice de la FFU, affirme que “des géants des réseaux sociaux comme Instagram et Facebook démontrent par exemple, à travers ces actes de censure, que la forme féminine ne peut et ne doit exister que dans un espace très restreint. Simplement parce qu’une femme est nue, cela signifie qu’elle doit être sexualisée. Ils vont même jusqu’à censurer l’activisme féministe et rendent difficile la diffusion d’une voix ou d’une plateforme. Cette exposition a été créée dans le but de fournir un espace aux photographes pour montrer leur art censuré ou interdit, ainsi que pour éduquer le public sur les injustices présentes sur les réseaux sociaux.”

CONTESTER LES STATISTIQUES

Les statistiques mondiales indiquent que les femmes représentent encore moins de la moitié des photographes exposés dans les grand musées, concours et foires photographiques tels que Paris Photo ou Les Rencontres d’Arles. “Nous n’avons pas à nous soumettre à l’industrie de la photographie. Nous pouvons démontrer que nous, les femmes photographes, sommes tout aussi qualifiées et méritons des opportunités d’exposition. Nous pouvons agir et créer nos propres concours et organiser nos propres expositions afin de nous donner mutuellement un espace visible,” déclare April Wiser, fondatrice de la FFU.

UN JURY D’HABILITATION

Le jury de l’exposition sera composé de Kinuko Esther Asano conservatrice et directrice artistique de la Galerie &CO119 , Lou Tsatsas, journaliste du  Fisheye Magazine et April Wiser, fondatrice de Foto Femme United.

INFORMATIONS

EN RAISON DU CONFINEMENT LIÈ AU CORONAVIRUS L'EXPOSITION EST REPORTÈE .... A SUIVRE

Dates :

Lieu : Galerie &co119. --- 119, rue Vieille du Temple / 75003 PARIS

Site : https://8co119.co/

Pour participer c’est par ici: https://www.fotofemmeunited.com/exhibit

Les demandes de renseignements sur les partenariats sont les bienvenues, envoyez un courriel à april@fotofemmeunited.com.

https://8co119.co/cnsorshp-le-concours-exposition-pour-faire-bouger-les-choses/

UDDENBERG Anna

L’artiste suédoise Anna Uddenberg a l’habitude de montrer certaines affres de nos sociétés : La Femme, l’Homme comme modèles obligés auquel tout individu doit se conformer impérativement pour ne pas être rejeté aux marges de la société.

À côté de ces idéaux, nos gestuelles et nos parures si travaillées soient-elles ne seront jamais que de vagues ébauches. Le genre, petit "a" Lacanien, bien formaté et inscrit de force dans les corps, les cerveaux, les coutumes, les religions et les Lois, présent jusqu'à l'obsession schizophrénique dans toutes les représentations ne cesse d'être cette limite inatteignable. En ce sens, la philosophe Judith Butler décrit précisément l’attitude de genre comme une performance perpétuelle de soi visant à atteindre un fantasme corporel, culturel et social inatteignable.

Dans ses mannequins et installations, Anna Uddenberg explore l’esthétique de la “pétasse à selfie”, éminemment désirable dans ses accoutrements, postures et accessoires, qui est mise en scène jusqu’à sa propre caricature.

Ainsi, les modèles d’Anna Uddenberg se retrouvent systématiquement dans des contorsions impossibles.

L’impossibilité physique de reproduire ces contenances renvoie certainement à l’impossibilité, pour les individus, de mimer pleinement les stéréotypes de genre véhiculés par les médias. Une manière de tourner en dérision les atours obligés du genre, tout en soulignant sa dangerosité.

Après Blanche Gardin, un nouvel artiste a lui aussi décidé de refuser la médaille des Arts et Lettres. Il s’agit de Wilfrid Lupano, scénariste de BD à l’origine des albums des Vieux Fourneaux. Une décision qui, là aussi, ne manque ni d’audace, ni de panache.

Le scénariste des "Vieux Fourneaux" ne se voyait pas être décoré "de la part d’un gouvernement qui, en tout point, lui fait honte". Comme pour Blanche Gardin, ce refus est à nouveau politique. Wilifrid Lupano s’en est expliqué dans une lettre publique adressée à Franck Riester, ministre de la Culture. En somme : pas question pour lui d’être honoré par un gouvernement dont la politique fiscale, budgétaire, migratoire, écologique et sécuritaire heurte ses convictions et ses valeurs.

https://positivr.fr/wilfrid-lupano-refuse-medaille-arts-et-lettres/

Du 16 septembre au 8 novembre 2015, la Monnaie de Paris présentait Take Me (I'm Yours), une exposition collective et participative ..

Vingt ans après son immense succès à la Serpentine Gallery (1995), l’exposition conçue par Christian Boltanski et Hans Ulrich Obrist, Take Me (I’m Yours)  était récréée à la Monnaie de Paris. Chaque visiteur était invité, pour ne pas dire encouragé, à toucher, utiliser ou emporter avec lui les projets et les idées des artistes invités.

Dans les murs de la dernière manufacture dans le centre de Paris, l’exposition permettait de revenir sur le mythe de l’unicité de l’œuvre d’art et de questionner ses modes de production. A l’image des monnaies, les œuvres sont vouées à la dispersion. Lieu d’interaction entre les visiteurs et les artistes, cette exposition se caractérise par sa forme ouverte et évolutive avec, au moment du finissage, la disparition des œuvres due à leur dissémination totale. Au-delà des circuits économiques habituels, Take Me (I’m Yours) propose un modèle basé sur l’échange et le partage, et soulève ainsi la question de la valeur d’échange de l’art, chère à la Monnaie de Paris.

La vidéo très compléte de l'expo. :

https://www.alternatif-art.com/index.php/rubriques-menu/10-l-art-contemporain-dans-la-presse-et-a-la-tele/6570-l-art-contemporain-a-la-tele-live-art-take-me-i-m-yours-arte?utm_source=feedburner&utm_medium=email&utm_campaign=Feed%3A+alternatif-art+%28Alternatif-art.com%29

La censure d'un tableau du maître flamand Pierre Paul Rubens sur Facebook a provoqué une vive réaction dans le milieu artistique. Agacée par cette énième censure, la maison Rubens d'Anvers, a réalisé une courte vidéo pour moquer l'interdiction sur le réseau social des plus grandes œuvres du nu.

"The square" par Ruben Östlund

La presse, assez furieuse de la Palme d’Or reçue par « The Square » à Cannes, décourage le spectateur : l’œuvre de Ruben Östlund serait une charge anti-art contemporain au vitriol, farcie de longueurs, avec pour protagoniste une nullité détestable, Christian, conservateur d’un musée de Stockholm… Or, loin d’être une farce, ceux qui s’attendraient à rire grassement seront déçus,  le film procède avec habileté, mesure, voire rigueur ; son personnage central est plutôt touchant dans son désir maladroit d’accorder sa conscience avec les faits.

Le réalisateur connait bien l’AC : Nicolas Bourriaud, le chantre de l’esthétique relationnelle, est justement cité. Ne manquent ni les œuvres typiques d’AC,  comme ces tas de graviers, ni leurs avanies mille fois arrivées pour de vrai : le service de ménage balaye innocemment le chef d’œuvre (des spectateurs non avertis y ont vu une invention du metteur en scène). Bien épinglé aussi par Ruben Östlund , le jargon  incompréhensible, la novlangue qui articule dans la même phrase  « œuvre / non –œuvre », pour dire une chose et son contraire…l’AC adore. L’animalité travaille cette société raffinée dont le vernis craque : la journaliste branchée a pour animal de compagnie, un singe et les esthètes se ruent en meute vers les petits fours. Dans un diner de gala, l’auditoire s’entend dire « restez immobile, cachez vous dans le troupeau », avant de subir une performance inspirée d’un véritable artiste russe (Oleg Kulik) qui se prenait pour un chien et mordait les visiteurs ; dans The Square, un homme-singe, plus vrai que nature, tyrannise une assemblée chic de mécènes… point culminant et scène d’anthologie !

L’œuvre qui donne son titre au film, « The square », correspond tout à fait à l’idéologie de l’AC : elle propose au visiteur de passer par un tourniquet soit du côté « je fais confiance » soit du côté « je ne fais pas confiance (à mes semblables) ». L’AC est volontiers manichéen, adossé à la technique : les choix sont comptabilisés et affichés dans l’expo du film, fictive mais si vraisemblable. Passé le tourniquet, le visiteur découvre au sol un carré où sa confiance est mise à l’épreuve puisqu’il doit y déposer portable et portefeuille …en espérant les récupérer à l’issue de l’expo ! Bien vu : l’AC se veut participatif, proposant des expériences et pas des objets ; ce faisant, le parcours du visiteur  ressemble à celui d’un cobaye testé et/ou éduqué. Le choix confiance/pas confiance ne concorde pas avec la vraie vie, où rien n’est tout rose ou tout noir mais oscille en permanence ; dans la rue, on ne fuit pas systématiquement celui qui vous aborde, mais, à la première bizarrerie, on se méfie.  Et le réel va rattraper Christian : des voleurs, plutôt doués pour la mise en scène, lui dérobent son portable et notre homme ne réagit pas selon l’altruisme exalté par son installation, The Square.

Là s’arrête la critique de l’AC. Car il manque à « The square » l’ambiguïté d’une parfaite œuvre d’AC.  Si le milieu a tellement détesté le film, c’est que l’œuvre centrale est trop bienveillante et que le héros y croit vraiment alors que le personnel de l’AC est certainement moins dupe, beaucoup plus cynique. Les vrais acteurs d’AC n’ont jamais une crise existentielle telle qu’elle les conduise, tel le héros du film, à assumer leurs erreurs devant la presse déchaînée ! Dans la vraie vie,  l’AC accumule transgressions, scandales, conflits d’intérêt etc. mais qui démissionne ? Responsables mais pas coupables. Là, le film est bien en dessous de la réalité.

The Square met pourtant les pieds dans le plat financier. Le grand défi d’un musée d’art moderne et contemporain, nous dit-on explicitement, c’est, non pas l’Art mais «  l’argent, trouver l’argent quand un collectionneur peut dépenser en un jour ce que le musée dépense en un an».  Le film ose faire entendre la vox populi (cela suffirait à le suspecter de populisme) qui trouve scandaleux que l’argent du contribuable ait servi à financer une campagne de pub ignoble. Ils sont rares les films avec l’art pour centre d’intérêt et le dernier, en 2008, «  Musée Haut, Musée Bas », de Jean-Michel Ribes, se refusait à parler financement.

Le rapport à la presse et aux médias est bien vu : « pour faire écrire les journalistes, il faut être clivant », se distinguer du vacarme  (médiatique). Ce qui explique bien des dérapages : faire n’importe quoi pourvu que ça mousse. D’ailleurs, la vidéo de promotion commandée par le musée, et qui va précipiter le destin du conservateur, est beaucoup plus dans l’esprit de l’AC avec son « explosivité »…que l’installation The Square proprement dite. Mais n’en disons pas plus … Tout auteur est « en concurrence avec les catastrophes et autres calamités alors que la capacité d’attention du spectateur est limitée à 10, 15 secondes ». Pas celle du spectateur de cinéma, espère Ruben Östlund : le film dure 2h20. Les lecteurs du Grain de Sel qui ont de l’endurance, pourront lire, ci-dessous, une suite de mon analyse car s’il baigne dans le milieu de l’AC, le propos du film est plus vaste : scruter l’âme contemporaine, ou ce qu’il en reste, affrontée aux contradictions de ce que Muray appelait « l’Empire du Bien ». Les autres se dépêcheront d’aller voir The Square, avant qu’il disparaisse de l’affiche : bien des salles d’art et d’essai ne le programment pas, comme par hasard !

Christine Sourgins

https://www.sourgins.fr/the-square-ou-limpossible-critique-de-lac/