En 1913, lorsque Igor Stravinsky a créé son œuvre orchestrale Le Rite du printemps au Théâtre des Champs-Élysées, le public parisien est tellement encensé par la partition discordante qu'une émeute éclate. Quatre ans plus tard, les New-Yorkais n’étaient qu’un peu plus gentils envers la soumission par l’artiste français Marcel Duchamp d’un urinoir tout fait à l’envers, articulaire, par le créateur fictif « R. Mutt » à l’exposition inaugurale de la Société des artistes indépendants de New York.

Une paix symphonique à l’énergie païenne et à un urinoir peut sembler disparate dans l’intention, mais les œuvres de Stravinsky et Duchamp ont toutes deux exprimé le radicalisme de l’avant-garde du début du XXe siècle, remettant en question les certitudes et les valeurs bouleversantes – pour paraphraser Karl Marx, faisant fondre tout ce qui est solide dans l’air. Pour Duchamp, la « fontaine » n’était pas seulement une provocation, mais aussi un commentaire philosophique sur la nature de l’art lui-même: qu’un objet prosaïque peut être élevé par le cadre seul. Selon le critique Margan Falconer dans How to be Avant-Garde: Modern Artists and the Quest to End Art (2025), Duchamp demandait: «Pourquoi l’art ne pourrait-il pas être un environnement sans couture, enveloppant et immersif dans lequel tout le monde vivra et travaillera?» Quelque chose d’aussi consommant, en d’autres termes, que d’entendre les rythmes fracturés de la nature reproduits dans une salle de concert parisienne ou de voir un urinoir dans un musée.

Pour paraphraser à nouveau Marx, l’histoire commence d’abord comme tragédie et se termine ensuite comme de la farce. De mon point de vue, il n’y a rien de tragique dans la « fontaine » de Duchamp, mais il y a absolument quelque chose de farcique dans « America ,» 2016 du sculpteur italien Maurizio Cattelan, une toilette en or fonctionnelle et solide de 18 carats qui a dirigé la vente aux enchères du 18 novembre, Sotheby’s « The Now and Contemporary » avec une offre de départ de $10,2 millions. Comme « Fontaine », la pièce de Cattelan pourrait être utilisée dans son but prévu (Sotheby’s exposé « America » dans une salle de bain du bâtiment Breuer, bien que les visiteurs n’aient pas été autorisés à l’utiliser), mais sinon, la similitude est superficielle. Duchamp a élevé le prosaïque, tandis que Cattelan a simplement doré le familier – une partie du point de vue de «Fountain» est précisément que c’est un urinoir comme un autre, tandis que peu d’entre nous ont rencontré une toilette dorée. Le travail de Duchamp soutient que la salle de bain de n’importe qui pourrait être un musée, tandis que Cattelan rejette cette affirmation. Il y a une allégorie puissante dans la descente de Duchamp à Cattelan; elle nous en dit beaucoup sur les aléas de l'art et de la finance et l'abolition finale d'une véritable avant-garde.

"America" a été envoyé à Sotheby's par le gestionnaire de fonds spéculatifs et propriétaire des Mets de New York, Steve Cohen; la pièce a finalement été vendue pour $12,1 millions (frais inclus) à la société de divertissement Ripley's Believe It or Not!. Cohen est l'homme le 30e plus riche des États-Unis et possède une collection d'art évaluée à un milliard de dollars, y compris des pièces de Jackson Pollock, Jeff Koons et Willem de Kooning. Ayant déjà été accusé de racket et de délit d'initié, Cohen a également plutôt fait don prévisible d'un million de dollars à l'investiture de Donald Trump, un personnage qui s'est fréquemment identifié au concept d'une toilette d'or dans des blagues. On se demande ce que Cohen a fait avec la pièce. A-t-il admiré l'éclat du jaune qui se reflétait de la sculpture ? A-t-il apprécié le retour sur son investissement initial après l’avoir acheté pour une somme non divulguée en 2017 ? Steve Cohen a-t-il chié dans "America" ?

Alors que la « fontaine » a rompu l’imagination de notre civilisation, la pièce de Cattelan a tout l’impact d’un pet humide. Duchamp a conçu le banal comme génératif; le travail de Cattelan est tout simplement coûteux. Une œuvre d’art qui aurait pu être un email. « America » (obtenir le titre ...?) confond profondément transgressif avec le simple décadent, un gadget avec la pointe – à moins, bien sûr, que ce soit encore plus cynique que cela. Peut-être que son prix de vente est intentionnellement sa caractéristique la plus saillante, car le monologue moyen de Jimmy Kimmel est plus acidement satirique que la pièce de Cattelan.

Une façon clichée de décrire la carrière de l’artiste est qu’il n’est pas étranger aux cascades. Plus tristement célèbre, il a été le créateur de « Comedian », l’œuvre de 2019 consistant en un conduit de banane enregistré sur un mur à Art Basel à Miami Beach, qui a vendu à l’entrepreneur chinois de crypto-monnaie Justin Sun pour le vol absolu de $6,2 millions. La vente aux enchères d’hier n’est même pas la plus grande somme jamais payée pour une œuvre de Cattelan – cet honneur douteux va à son « Lui » de 2001, une statue réaliste de la taille d’un enfant d’Adolf Hitler à genoux qui est allé chez Sotheby’s pour $17,2 millions. Vous remarquerez combien de mes phrases se terminent par des sommes d’argent exorbitantes; ce n’est pas accessoire. Les toilettes ne sont qu’un troll, aussi évident et peu inspiré qu’il est coûteux – mais il y a aussi quelque chose de inquiétant à ce sujet. Car s’il y a une histoire dans toute l’affaire nihiliste, c’est l’atrophie de l’art américain au cours du dernier demi-siècle.

Une familiarité flagrante avec l’histoire de l’art devrait prévaloir sur quiconque de leur idéalisme concernant la vocation, car l’art a toujours existé au sein de réseaux de richesse et de patronage. Néanmoins, nous avons été témoins d’un caillage distinct depuis que « Two Women » (1953) de de Kooning est devenu la première pièce contemporaine d’un artiste vivant à vendre pour plus d’un million de dollars aux enchères en 1983. L'économie du côté de l'offre, du marché libre et du ruissellement de l'époque Reagan signifiait l'abolition finale d'une véritable avant-garde. Cette décennie « a préparé une étape pour la réévaluation de l’objet d’art », comme l’écrit Melissa Chiu dans l’avant du guide d’exposition du Hirshhorn Museum and Sculpture Garden Brand New: Art and Commodity dans les années 1980 (2018). « Les biens matériels étaient considérés comme une démonstration de pouvoir et de richesse financière, tandis que les artistes étaient associés au capital culturel. » De toute évidence, des objets échangés ont été échangés à travers l’histoire des Médicis aux Romanov, mais dans les années 80, une coterie sélectionnée d’artistes avertis est également devenue des spéculateurs financiers. Dites ce que vous voulez à propos d’un œuf de Fabergé, mais c’est plus intéressant que les produits collés à un mur. S’il y a un « sens » en « Amérique », c’est comme une leçon d’objet concernant la dégradation de l’idée même de l’art en tant que bien public. Aujourd’hui, les œuvres de Van Gogh, Picasso et Klimt sont détournées des yeux curieux du public par les oligarques russes et les banquiers de Wall Street au port franc de Genève afin qu’ils puissent apprécier en valeur, tandis que le « Salvator Mundi » de Léonard de Vinci (vers 1490-1510) décore le yacht privé Serene du prince héritier saoudien Muhammad ben Salmane après l’avoir acheté pour près d’un demi-milliard de dollars chez Christie. Dans ce contexte, « America » n’est qu’une goutte dans le seau, pisse dans les toilettes.

Il est révélateur que la vente aux enchères a eu lieu dans le bâtiment Breuer, la structure brutaliste au 945 Madison Avenue qui a abrité le Whitney Museum of American Art de 1966 à 2014 et a été brièvement un campus satellite du Metropolitan Museum of Art et de la Frick Collection avant de devenir le nouveau siège de Sotheby’s. Une conversion transparente du bien public dans le spectacle privé: où les amateurs de musée ont autrefois étudié les œuvres d’Edward Hopper et Georgia O’Keeffe, ses murs blancs propres exposent maintenant des travaux à soumissionner par des milliardaires. Une avant-garde sans public à choquer, sans audience prête à émeuter, n’est que de la masturbation. Si Duchamp parlait des exigences de la modernité, alors Cattelan ne parle que d'économie. Ce n’est pas de l’art – juste une version plus excentrique du trading d’actions (ou, si les soupçons sont corrects, le blanchiment d’argent).

Plus tôt cette année, l’ami de Cohen, Trump, a commencé à annuler les subventions de National Endowment for the Arts (NEA), y compris l’argent déjà réservé à des organisations telles que le Berkeley Repertory Theater, le projet Open Studio, à but non lucratif d’éducation artistique de la région de Chicago, et Central Park Summer Stage à New York. La subvention moyenne de l'AEN est d'environ 23,000 $, avec de nombreuses subventions individuelles qui vont aux coûts généraux de fonctionnement étant la différence quant à savoir si une organisation artistique peut continuer à fonctionner ou non. Maintenant que Cohen est $12 millions plus riche, il pourrait théoriquement financer environ 500 projets différents - nous attendons tous de telles nouvelles avec un souffle battu. Alors que beaucoup dans le monde de l’art épousent superficiellement une sorte de progressisme gaoureux, le cynisme jauni de pièces comme « l’Amérique » parle de la posture souvent anémique et vide de trop de critiques, où un tel discours justifie le vide conceptuel de cette œuvre et de ses associations diverses pour abjecter l’exploitation capitaliste. Si la pièce de Cattelan me rappelle quoi que ce soit, c’est des toilettes dorées que Thomas More imagine les citoyens de la société parfaite utilisant dans son ouvrage Renaissance Utopia (1516). Là, l’or est si abondant que les salaires de la richesse sont dénués de sens. Pour ceux qui peuvent enchérir chez Sotheby’s, nous pouvons refléter que l’Utopie a toujours existé, mais pas pour tout le monde. S’il y a encore de la place pour l’avant-garde, elle doit en parler, non pas dans un esprit de didactisme, mais solidaire. Le seul véritable art radical comprend qu’il y a de la joie à manger les riches et à déposer ce qui reste là où il appartient.

---- Alfred Stieglitz, photo de la « Fontaine » de Marcel Duchamp (1917)

---- Les toilettes fonctionnelles et en or massif de Maurizio Cattelan au Musée Guggenheim en 2016

Par : Ed Simon sur Hyperallergic du 19 novembre 2025

https://hyperallergic.com/

Exposée à Vérone, cette chaise en aluminium, creuse et recouverte de centaines de cristaux Swarovski, céda sous le poids d’un visiteur voulant s’y asseoir, sa compagne le photographiant. La scène, filmée par les caméras de sécurité, est comique, comme la désolation des responsables du musée alors que l’artiste, lui, s’est réjoui, presque admiratif : « c’est une performance ! ». Même un visiteur balourd et inconscient fait de l’AC, comme Monsieur Jourdain faisait de la prose sans le savoir ! Car, explique l’artiste, « l’art c’est l’interaction avec le public, le pire c’est l’indifférence » et d’annoncer que sa prochaine œuvre sera… une chaise cassée !

Christine Sourgins - juillet 2025

https://www.sourgins.fr/un-musee-qui-a-du-chien/              

Ce n’est pas Dallas mais l‘univers impitoyable de l’Etat culturel commence à y ressembler, au point que des suicides (1) ayant récemment défrayé la chronique, Le Monde (2) a enquêté sur le management toxique en centre d’Art. L’Institut du patrimoine, qui forme nos conservateurs, ne consacre de 9 jours de formation théorique au managent des équipes ; résultats ? 

Pour sa défense, un directeur mis en cause argue que « l’art contemporain est un sport de combat »sic : normal qu’au musée de la Chasse et de la Nature (si fier naguère de s’ouvrir à l’art le plus contemporain), on allait bosser « la boule au ventre » et l’inspection du travail fut saisie !  C’est sur signalement de la médecine du travail que Christine Macel (3) fut débarquée. Fin mars, la Directrice générale partira elle aussi et… le président vient à son tour de claquer la porte ! Donc Christine Macel, à l’origine de l’affaire, a laissé son poste de directrice des musées… pour celui de conseillère scientifique et artistique auprès du président maintenant démissionnaire. Elle est virée mais maintenue au sein du musée avec un poste « aux attributions non définies » ! Parait que la centaine de salariés ne comprennent pas le pourquoi d’une telle faveur et la presse, qui est taquine,  ironise sur le musée des Arts-déco dont le sigle est MAD soit « fou » en anglais  !

Mais derrière cette mise en cause de personnalités-phares de l’AC, pointent d’autres réalités :  le musée est « devenu trop dépendant des marques de luxe »… Ailleurs on avance une autre réalité « on nous demande de trouver 70% de ressources propres pour compenser la pénurie d’argent public » :l es directions sont alors sous pression et la répercutent à tout le personnel. Mais pour trouver des ressources propres, il faudrait attirer et non pas repousser le public payant :  proposer de l’art qui ne cherche pas à l'exaspérer en permanence, autre chose que de l’AC-sport-de-combat ! 

Sous-traitance ou maltraitance ?

Bien que nié par le ministère, le malaise dans les musées est si général que la grève du 5 décembre 2024 dernier a été fort suivie… Car, outre un management problématique, sévit une forme sournoise d’ubérisation où on multiplie les stages et le recours au service civique : les postes de l’accueil, billetterie, audioguides, surveillance…sont de plus en plus sous-traités. Même certaines animations et conférences peuvent dépendre d’« agences » qui s’immiscent et se rémunèrent. Selon un sociologue, sur 17000 agents des musées en établissement publics, 76% ne sont pas titulaires et 55% ont un contrat de moins d’un an. 

Or ces salariés sous-traités gagnent moins, ont des cadences stressantes (moins de pauses, un emploi du temps aléatoire, très fliqué etc.) et dès qu’un salarié précaire réclame un contrat à durée déterminée, il est remercié illico. Pourtant certains de ces (sous)-employés portent le même uniforme que les agents du musée et reçoivent leurs ordres directement du responsable du musée. Autant dire que derrière les contrats d’externalisation est embusqué du salariat déguisé. D’où quatre plaintes (contre le Louvre, le Palais de la Porte Dorée, la Bourse du commerce, le Mucem à Marseille) déposées par des syndicats, pour travail illégal ; des enquêtes de justice sont en cours.

Christine Sourgins 

                                  https://www.sourgins.fr/

1- Après celui d’un régisseur du Frac Champagne-Ardenne, le suicide d’un ancien conservateur du Moco, centre et école d’art de Montpellier, vient d’être qualifié par la Sécurité sociale d’accident du travail…

2-Voir les excellents articles de R. Azimi et N. Vulser in le Monde, 22 et 23 décembre 2024, p. 24 et 25.

3-La conservatrice Ch. Macel a dirigé le département création contemporaine de Beaubourg pendant 20 ans, été commissaire d’innombrables expos d’Ac et même de la Biennale de Venise en 2017.

4- Une externalisation peut se justifier lorsqu’une administration requière une compétence nouvelle, inédite pour elle, mais au Louvre, par exemple,  « les salariés extérieurs sont employés pour la même tâche que celle réalisée par les salariés en interne ».

Le milieu économique forge ces fortunes qui permettent de collectionner de l’AC…dans une ambiance culturelle très orientée. Ainsi, en janvier 2024, au Forum économique de Davos, dans une chapelle anglicane privatisée, lors de la « french soirée » où notre président vint en personne « vendre » la France aux grands patrons triés sur le volet, il y eut, classiquement, champagne, petits fours, chansons de Dutronc, Daho, Souchon… Mais aussi, le groupe « Les escrocs » avec leur chanson titrée… Assedic ! Une bossa-nova de 1994, indolente et immorale sur le chômage : l’art de rendre rigolote une vision politique où chômeurs = escrocs, avec la pointe d’ironie et de cynisme chère à l’AC ?

Un sacrilège au musée

Le 23 février dernier, la réaction muséale face à un petit employé en dit long sur la manière dont l’élite estime le citoyen lambda, surtout quand il prétend peindre. Un membre du personnel technique de la Pinakothech der Moderne de Munich, 51 ans, peintre amateur rêvant de reconnaissance, s’avisa d’accrocher en douce une de ses œuvres (60 sur 120 cm) au milieu des Klee ou Rosemarie Trockel. Le naïf espérait voir son talent remarqué par visiteurs et professionnels de l'art, son travail couronné grâce à son audace. A force de voir des brimborions accéder au statut d’œuvre d’art, l’ingénu rêvait à une carrière artistique sans comprendre que si, dans un musée d’AC, n’importe qui et n’importe quoi peut devenir de l’AC ce n’est jamais n’importe comment : il faut un pédigrée certifié, un réseau et des instances qui valident le fait que c’est bien de l’AC ! Sinon, c’est un crime de lèse-majesté culturelle à punir vigoureusement.

Tolérance à géométrie variable

Pas d’indulgence du genre « c’est une performance comme une autre » : viré, séance tenante !  Aux Assedic le plouc, dénoncé auprès du service d’enquête criminelle, en plus ! Avec investigations sur les dommages matériels causés par les trous de forage lors de l’accrochage : le montant total des dégâts étant faramineux, environ 100 euros, l’ex employé est poursuivi pour dégradation de biens, « passible d’une amende ou d’une peine d’emprisonnement pouvant aller jusqu’à deux ans en cas de condamnation. » 
Et encore, le tableau enlevé a été confisqué, on ne sait même pas à quoi il ressemblait, ni le nom du peintre amateur : musée et médias ont pratiqué la damnatio mémoriae du sacrilège. Tout en rappelant, sans rire, « l'importance du respect des règles dans les institutions culturelles », or ces dernières passent leur temps « à transgresser les frontières », à vanter l’audace des courageux artistes qui défient ceci ou cela en « questionnant l’institution ».  Mais là, pas de remise en cause sociétale : on sévit sans pitié !

Peu auparavant, toujours en Allemagne, une étudiante avait introduit de la même façon une de ses toiles dans la Bundeskunsthalle de Bonn (que la maline avait fixée au ruban adhésif) : là, c’est différent, ça change tout, on est entre soi, car une étudiante, une future artiste, appartient à la bonne communauté, celle que le système autorise à transgresser. Et le musée a trouvé cela « amusant » !

Nous régressons à l’Ancien régime, à la personnalisation des lois où le fait commis compte moins que le statut de la personne qui le commet : « selon que vous serez puissant ou misérable, les jugements de cour vous rendront blanc ou noir", écrivait La Fontaine dans Les Animaux malades de la peste.

Christine SOURGINS -  24 avril 2024

https://www.sourgins.fr/quand-les-elites-defendent-leur-culture/

            Andy WARHOL « Marilyn diptych » 1962

 Acrylique et sérigraphie sur toile / 2 panneaux / 208,3x144,8 cm / chaque panneau 25 vignettes (x2= 50)               

• CATEGORIE

Un tableau est une œuvre exécutée à la peinture sur châssis (toile) ou sur panneau (bois).

Un diptyque est un tableau composé de 2 panneaux distinctes mais accrochés ensemble. 3 panneaux = Triptyque / 4 panneaux = Quadriptyque / Plusieurs panneaux = Polyptyque

Les fonctions de ce dispositif sont divers : Pratique (diminution de la taille) / Cultuel (fermer = cacher / ouvrir = montrer lors des rites religieux) / Donner un sens de lecture (les panneaux s'ouvrent successivement comme les pages d'un livre)  Dans le cas de ce tableau de Warhol, il s'agit de donner un sens de lecture :  1er panneau gauche = couleurs / 2eme panneau droit = Noir et blanc

• FORMAT / ORIENTATION

Les deux panneaux assemblés ont des dimensions comparables à celles des affiches publicitaires.

Par leurs dimensions, les œuvres de Warhol recréent pour le spectateur l'univers urbain des panneaux publicitaires

3 types d'orientation  : Horizontale = paysage / Verticale = portrait / Carré ou circulaire = indéterminée (cf. le texte de Warhol)

L'orientation horizontale de cette œuvre est le résultat de la combinaison de l'orientation de différents formats : Chaque panneau est composé de vignettes formats portraits (28,4 cm x 40 cm) = la superposition des vignettes détermine une orientation verticale de chaque panneau (205 cm x 142 cm). L'association des 2 panneaux fixe l'ensemble dans une orientation horizontale.  Le choix de l'horizontalité renforce le sens de lecture de l’œuvre : Regarder le panneau de gauche avant de découvrir celui de droite.

• ŒUVRE NON-SITE OU IN SITU ?

La distinction entre SITE et NON-SITE fut élaborée vers 1960 par Robert Smithson : Son idée est qu'une oeuvre d'art peut être un lieu ou un environnement (site) investi / habité par le spectateur. Le Non-site serait la représentation de ce même lieu par des moyens graphiques, picturaux ou photographiques. Aujourd'hui,  la distinction c'est élargie puisque la galerie, le musée ou tous lieux d'expositions peuvent être considérés comme SITE = l’œuvre IN SITU est produite spécifiquement en fonction des caractéristiques du lieu d'exposition.

Une œuvre NON-SITE est créé indépendamment de son lieu d'exposition.

• MEDIUM

Le médium est la matière qui porte la couleur (pigment).

Le médium utilisé par Warhol est celui utilisé dans l'impression par sérigraphie = Encre d’imprimerie.

Ce choix est en rupture avec le moyen traditionnel de la peinture à l'huile utilisé depuis le XVéme siècle.

• SAVOIR-FAIRE  / TECHNIQUES / PRATIQUE

La sérigraphie est un procédé d'impression qui utilise la propriété du tissu de soie ou tissu synthétique, tendu sur un cadre de bois,  de laisser passer, à la pression , l'encre d'imprimerie. Le report photographique de limage est obtenu par l'imprégnation du tissu avec une émulsion sensible à la lumière sur laquelle est placé le un FIM photo. L'image obtenue sur l'écran sérigraphique est négative. Ce procédé rapide et économique permet l'impression sur papiers ou toiles d'images de grandes dimensions.  

Par l'emploi de ce procédé, Warhol revendiquent les conséquences suivantes:

--- Il substitut de nouveaux savoirs techniques aux savoir-faire traditionnels (maîtrise du dessin, de la peinture, de la perspective, .. )

-- Il abolit la notion de style. Les images produites n'ont que les particularités de leurs contenus, la technique d'impression est facile à assimiler et "un de mes assistants ou n'importe qui d'autre peut reproduire le motif aussi bien que moi".

-- Le retrait de l'artiste aboutit à en proposer un nouveau statut : il est un producteur comme un autre qui met en oeuvre des moyens mécaniques. L'artiste délégue son pouvoir mais aussi son statut "Tout le monde peut être artiste".                                

• SERIE

La sérigraphie permet d'imprimer plusieurs exemplaires à partir du même cadre. Chaque tirage est en apparence identique, mais dans les détails différent les uns des autres. Le tissu tend à se boucher ou l'encre à trop s'accumuler à certains endroits et à empâter. Pour Warhol, l'intérêt d'utiliser cette technique est qu'elle permet de produire en quantité des impressions sur toile de la même image . .    Ce choix s'oppose à la tradition de l’œuvre unique.  La multiplication de l’œuvre, impression et déclinaison en série d'un motif à partir du même cadre sérigraphique, est comparable à la production industrielle des  images publicitaires.

• ORGANISATION

Chaque panneau est construit sur la même organisation : 5 portraits horizontaux et 5 portraits verticaux ( 25 portraits )  Le nombre 5 est choisi en référence à la date du suicide de Marilyn : Le 5 août 1962

Le choix d'organiser les vignettes sur un quadrillage (Vertical / Horizontal) est le moyen utilisé par Warhol pour signifier ces idées :

--- Chaque panneau forme un carré de vignettes (5x5) et les 2 panneaux ont le même nombre de vignettes. Il manifeste ainsi son désir de ne pas donner plus d'importance dans la forme à un panneau plutôt qu'un autre.

---  Dans cette organisation, rien ne dépasse, rien ne perturbe l'ordre ce qui entraîne une sensation d'immobilité de l'ensemble.  Il a le souci de ne pas détourner l'attention du spectateur vers l'organisation mais de la concentrer sur le contenu.

--- Le placement des vignettes sur un quadrillage suggére qu'elles pourraient se poursuivre en dehors de la surface des panneaux.

--- L'organisation et la quantité de vignettes sont à comprendre comme les métaphores de la production, du rangement, du classement et de l'accumulation des images publicitaires.  

Le placement des 2 panneaux l'un à coté de l'autre sur le plan horizontal avec le panneau couleurs à gauche ne relève pas d'un effet décoratif ou fonctionnel :

--- Ils sont assemblés dans le sens de lecture comme le sont les pages d'un journal.

--- Le panneau couleurs se lit avant le panneau Noir / Blanc

Cette organisation est celle que l'on retrouve (en petites dimensions) dans les bandes dessinées, elle permet à Warhol de suggérer un rapport de narration entre les 2 panneaux.

Le panneau de gauche est "l'avant" et le panneau de droite "l'après" dans une narration.

Le "présent" (ce qui relie les deux panneaux) est assuré par le spectateur dans le moment de la lecture. Il a accès au passé et au futur d'une histoire qu'il reconstitue.

L'histoire "montrée" par cette oeuvre est celle de Marilyn.  

• CADRAGE DES VIGNETTES

Le but du cadrage est de suggérer l'isolement d'une partie du champ visuel au moyen d'un appareil photo. Cette opération centre le regard sur les éléments d'informations dans le cadre et élimine ceux qui sont hors-cadre.

Le motif utilisé par Warhol provient d'une photographie prise lors du tournage du film "Niagara" par Gene Kornman - 1959

Il recadre le cliché en le recentrant sur le visage de Marilyn. Il élimine ainsi le reste du corps (décolleté, robe noire moulante, geste, pose). Le choix de ce cadrage obéit à un double objectif :

---- Éliminer toute perception subjective

---- Ce rapprocher de la neutralité et de la fonction de la photo d'identité, c'est à dire être ressemblant (donc reconnaissable)

Il est à noter que si le portrait ne s"éloigne pas du mimétisme, Warhol ne conserve par le traitement de l'image (agrandissement et impression sérigraphique) que les traits essentiels. Le visage devient dépouillé de sa peau, de sa texture, de ses plis, ... ce qui transforme ce portrait en dessin stylisé semblable à un signe graphique ou logo. Cette "dématérialisation" de Marilyn est un moyen pour Warhol de rappeler que celle ci n'est qu'une image, même une image d'une image.

• COULEURS

--- Panneau Gauche : Les couleurs délimitent les formes, et sont choisies pour leurs intensités colorées. Ces choix chromatiques ne sont pas sans analogies avec Matisse = La finalité est d'obtenir un effet visuel décoratif et percutant assez semblable aux affiches publicitaires. On remarque, que l'impression par sérigraphie entraîne des différences de colorisation et d'intensité entre les vignettes = Tous les portraits de Marilyn ne sont pas semblables. Leurs dispositions et ces différences peuvent se lire comme les vignettes d'un roman photo où, derrière la répétition du même motif, se raconte l'histoire d'une apparence nommée Marilyn.

--- Panneau droit : Délibérément Warhol n'a utilisé que de l'encre noire. Ce choix a un double sens :

             Symbolique, c'est la couleur de la mort, du deuil.

             Analogique, c’est la couleur d’impression des journaux quotidiens. Ce panneau est comme une page d'un journal ou c'est inscrit un fait divers : La mort de Marilyn. L'effacement des images (leurs disparitions ?) nous rappelle que le souvenir de Marilyn s'effacera aussi de notre mémoire.

• TITRE

Le choix du titre s'inscrit dans la tradition réaliste : Le titre nomme ce qui est représenté à la maniérer d'un pléonasme = La lecture de l’œuvre (sa compréhension) ne s'inscrit pas dans son titre mais dans ce qui est montré.

De son vrai nom, Marilyn Monroe se nommait Norma Mortenson. En choisissant d'utiliser comme titre de l’œuvre, le prénom de la star, Warhol supprime pour Monroe la possibilité d'avoir une autre identité et la réduit à un prénom de scène. Il établit ainsi entre le portrait répété par sérigraphie et le mot "Marilyn", le rapport existant entre un logo et un nom de marque.

• CONTENU

Warhol s'inscrit dans la tradition du portrait :

  Le portrait doit être ressemblant car il a pour fonction de témoigner. Le spectateur doit pouvoir associer, sans difficultés de reconnaissance, le portrait de Marilyn à Marilyn Monroe.

  Le portrait doit permettre de ce souvenir du personnage . Cette oeuvre, exécutée peu de temps après la mort de Marilyn en 1972,

s'inscrit comme l'équivalent d'un mémorial.

  Le portrait donne des informations sur le statut social du personnage : Le portrait de Marilyn, provenant d'un film, rappel qu'il s'agit d'une actrice de cinéma.

Ce qu’amène de nouveau Andy Warhol à l'art du portrait c'est l'affirmation que l'art doit être le témoin de son temps, non seulement par les procédés qu'il utilise (photographie et sérigraphie), mais aussi par son contenu  :

--  Le choix de cette image  = inscrire l'art comme complémentaire des médias / Les médias sont la source d'inspiration et l’œuvre se présente elle même (organisation, couleurs, contenu et procédé de fabrication) comme l'équivalent d'un média.

-- Le choix du sujet : Renvoyer aux spectateurs les images qu'ils connaissent  "Je reconnais ce que je connais, donc je comprend" 

Le thème du portrait de Marilyn ne ce limite pas à ce diptyque. L'abondance des œuvres sur le même sujet (séries) montre l'attitude obsessionnelle d'Andy Warhol pour les personnages célèbres touchés par la mort

(Marilyn, James Dean, J. Kennedy), par la maladie (Liz Taylor) ou le malheur (Jackie Kennedy).  L'abondance des autoportraits relève de cette même inquiétude pour la mort et l'oubli.

Hiroki AZUMA « génération otaku » - Hachette littérature / février 2008

Best-seller au Japon, cet essai du philosophe japonais Hiroki AZUMA a le mérite de prendre au sérieux le phénomène 'Otaku', nom donné à ces jeunes (et parfois moins jeunes) fans de mangas, de jeux vidéos et de dessins animés, qui ne vivent qu'entre eux et avec comme passion exclusive ces produits culturels dont ils ne cessent de produire et consommer les produits dérivés (figurines, fanzines, romans tirés de dessins animés, dessins animés tirés d'un personnage de manga, etc .). Véritables acteurs d'un phénomène en perpétuelle croissance depuis les années 1980, qui touche une frange significative de la jeunesse japonaise, leur 'mouvement' a créé un gigantesque marché et gagne aujourd'hui toutes les jeunesses occidentales, via le succès mondial du manga. Ce succès n'est-il pas le signe que la culture Otaku touche à quelque chose de profond de l'évolution de nos sociétés ? En analysant sans les juger les produits qui façonnent cette culture, Hiroki Azuma décèle, en s'appuyant sur les apports de la philosophie française (Lyotard, Baudrillard...), certaines des grandes caractéristiques de la postmodernité (perte des repères, des Grands Récits, de la frontière entre l'original et la copie, entre auteur et consommateur, création en réseau, etc. .). Parallèlement, il observe dans notre postmodernité les raisons profondes du succès grandissant de cette culture Otaku.

CORPS OTAKU

Les "otakus" sont intéressants dans leurs rapports au corps car ils impliquent un mode de vie avec des règles, normes et modèles qui façonnent l’apparence et leurs comportements corporelles (phénomène de « cosplay » = ressembler à ses héros). Leur consommation a une tournure obsessionnelle, cela est à rapprocher de ce que dit Michel De Certeau, parlant de la consommation traditionnelle, qu'elle est une manière de faire CORPS avec un produit. Le corps devient imaginaire car immergé dans un univers de modèles otaku véhiculés par Internet, les mangas, les médias et les revues. En d'autres termes, le "otaku" tente de se réincarner dans son désir.

Une poignée de CD et de DVD sur lesquels j’ai entassés tout mes souvenirs, mes images ou mes montages numériques dorment paisiblement dans mon tiroir, en attendant des expositions ou des projections futures. Mais seront-ils toujours lisibles dans quelques années ? Les fabricants se veulent rassurants. Les pochettes de CD-R mentionnent l'indication Lifetime (dure toute la vie). Les notices de DVD±R vantent leur longévité de 100 ans, voire 200 ans. Une véritable hypocrisie. Ces estimations sont basées sur des lois de vieillissement auxquelles « on ne peut absolument pas faire confiance », révèle Jacques Perdereau, chercheur au Laboratoire national de métrologie et d'essais (LNE). « Personne n'a prouvé qu'on pouvait appliquer ces lois. Elles modélisent un processus de vieillissement simplifié, le processus réel est plus complexe. Nos études montrent des réactions chimiques bizarres, en totale contradiction avec ces principes. Des mutations très différentes, d'une marque de CD-R à une autre. Voire d'une zone du disque à l'autre. Comment théoriser ces réactions avec deux lois seulement ? ». Les fabricants simplifient à outrance les tests de durabilité. Comment procèdent-ils ? Le vieillissement est accéléré. Les disques sont placés dans des caissons surchauffés soumis à une forte humidité. Température et humidité sont en effet les facteurs d'agression les plus nocifs pour un disque optique. Les tests s'arrêtent là. Dommage, car d'autres facteurs d'agression mériteraient d'être simulés. La sueur acide déposée par les doigts des utilisateurs. Les rayures causées par la manipulation du disque. Les agressions de la fumée de cigarette ou des vapeurs chimiques présentes dans l'air. Et bien d'autres facteurs. Au bout de 3 ans, 15 % des CD-R sont illisible. Aucun disque optique ne vivra 200 ans. « D'après nos tests, les CD-R tiennent entre neuf mois et quelques dizaines d'années, révèle Jacques Perdereau. Les DVD affichent désormais des longévités proches. Nous réalisons régulièrement des études pour divers établissements publics. De 2000 à 2003, nous avons surveillé 60 références de CD-R. Au bout de trois ans, 15 % étaient illisibles. » Seuls les bons CD-R passent donc le cap des dix ans. Comment les repérer ? C'est quasiment impossible pour le grand public. Aucune marque n'est parfaitement fiable. D'une année sur l'autre, la qualité des disques varie. D'un magasin à l'autre, la même référence de CD-R ne sort pas forcément de la même usine.

Mais il y a pire. La qualité d'un disque dépend du graveur. Certains DVD±R ont une durabilité exceptionnelle quand ils ont été enregistrés avec un graveur A, alors que ce n'est pas le cas avec un graveur B. Les professionnels de l'archivage optent pour des graveurs qui se marient bien avec leurs disques. Pour choisir, ils réalisent des tests poussés. Le grand public n'en a ni le temps, ni les moyens.

Toutefois, quelques règles strictes permettent d'éviter les catastrophes. Par exemple, préférer les graveurs récents aux graveurs vieillissants. Autre astuce : choisir la vitesse de gravure avec soin : diviser par deux la vitesse maximale annoncée par le fabricant du disque. Mieux vaut aussi opter pour des disques de marque : les disques génériques durent, en moyenne, moins longtemps. Heureusement, la plupart des CD tiendront quelques années avant de marquer des signes de faiblesse. La boîte à chaussures bourrée de photos, c'était quand même moins risqué et plus durable.

Blu-ray : l'avenir du stockage optique ?

On connaît la capacité des disques Blu-ray, elle est cinq fois supérieure à celle d'un DVD, mais on ignore leur longévité. La technologie est en effet trop jeune, les méthodes de production des disques vierges ne sont pas arrivées à maturité. Les scientifiques ne livreront pas leurs conclusions avant quelques années. Dans la balance, un argument penche en la défaveur du Blu-ray : ses pistes sont plus fines que celles du DVD, ce qui pourrait les rendre plus vulnérables. En revanche, certains Blu-ray vierges estampillés Sony sont fabriqués sans matière organique, ce qui pourrait améliorer leur stabilité à long terme. Pour l'heure, le DVD est un choix plus prudent.

Après Blanche Gardin, un nouvel artiste a lui aussi décidé de refuser la médaille des Arts et Lettres. Il s’agit de Wilfrid Lupano, scénariste de BD à l’origine des albums des Vieux Fourneaux. Une décision qui, là aussi, ne manque ni d’audace, ni de panache.

Le scénariste des "Vieux Fourneaux" ne se voyait pas être décoré "de la part d’un gouvernement qui, en tout point, lui fait honte". Comme pour Blanche Gardin, ce refus est à nouveau politique. Wilifrid Lupano s’en est expliqué dans une lettre publique adressée à Franck Riester, ministre de la Culture. En somme : pas question pour lui d’être honoré par un gouvernement dont la politique fiscale, budgétaire, migratoire, écologique et sécuritaire heurte ses convictions et ses valeurs.

https://positivr.fr/wilfrid-lupano-refuse-medaille-arts-et-lettres/

Une étude, publiée dans la revue Psychology of Aesthetics, Creativity, and the Arts (PACA), a vérifié si le prix de vente, le prestige d'une galerie ou l'évaluation de diverses personnes ayant des statuts socioculturels différents ont une influence sur l'appréciation des œuvres d'art.

Les psychologues Matthew Pelowski et Michael Forster, avec leurs collègues des universités de Copenhague et de Vienne, ont mené cette étude avec des étudiants qui évaluaient une série de peinture.

Avant la présentation, les participants ont reçu les appréciations de certains groupes sociaux :

Étudiants universitaires

Experts (conservateurs de musée reconnus)

Groupe du même âge sans niveau scolaire universitaire et bénéficiaire d’aides sociales.

Les résultats ont ensuite été comparés à un groupe témoin qui a évalué les images sans avoir reçu les informations provenant des différents groupes sociaux.

Lorsque les participants pensaient que les experts ou leurs pairs aimaient une œuvre, ils l'appréciaient davantage. Mais, quand ils pensaient que les décrocheurs sans emploi n'aimaient pas un tableau, ils allaient dans la direction opposée et l'aimaient plus.

Dans une deuxième étude, les chercheurs ont également montré que le prix de vente (fictif) d'un tableau changeait considérablement la façon dont il était l'évalué.

Ces résultats confortent la théorie de la “distinction sociale” introduite par le sociologue Pierre Bourdieu. Ils démontrent comment les représentations d’une œuvre d’art sont conditionnées par l’allégeance, positive ou négative, à des groupes sociaux.

Source : University of Vienna, PACA.

L’image, un Eden inaccessible ?

L'image incarne l'obsession du Désir sans le satisfaire. Un passage mythique, un cancer inscrit dans le cerveau humain, dommage collatéral de la conscience de soi. Tuer le réel qui fait obstacle au passage de l'autre côté de l'écran est le délire de toutes les nouvelles technologies poussées par la demande collective. Mais le spectateur supportera-t’il réellement d'être dans l'écran lorsqu'il s'apercevra qu'il n'est pas le maître de son Paradis ?

LE CHOC

Un écran s'éteint et je regarde autour de moi : il y a de la réalité partout ... quel choc !  Je rallume tout de suite l’écran.

« La création artistique est livrée à la merci des humeurs de la bourse, on spécule sur des génies inconnus, sur le fait que la mort d’un jeune auteur ou seulement la grave maladie dont il est atteint entraînent une hausse des prix de ses œuvres. On travaille au moyen d’une propagande et d’une publicité raffinées et très étendues, la presse et la critique sont corrompues. De nos jours, à Paris, tous les critiques d’art des revues ayant une importance commerciale et une certaine influence sont soit des agents payés au service des grands marchands d’art, des impresarios de théâtre ou des producteurs cinématographiques et, dans ce cas, soit leur commission est un secret de polichinelle, soit ils sont payés, au moins occasionnellement, selon les cas. » […]
La commercialisation de l’art est la preuve du mépris que la bourgeoisie montre à l’égard des valeurs spirituelles, tant que celles-ci ne produisent pas d’argent. Les seuls critères et d’ailleurs les plus convaincants pour juger de nos jours de la qualité de l’art sont : le nombre d’exemplaires vendus d’un livre, les prix aux enchères, les offres d’amateurs et des collectionneurs, les places remplies au théâtre et d’autres critères analogues, d’ordre quantitatif et pécuniaire. La critique cède la place à la publicité, la chronique dans les journaux se transforme en annonce commerciale ou peu s’en faut, la spéculation habile du trafiquant se substitue à l’appréciation spirituelle des valeurs artistiques. »

Karel Teige- Le marché de l’art [1936], traduction par Manuela Gerghel, ed• Allia, 2000

Vincent Van Gogh mélangeait ses pigments jaunes avec d’autres teintes, et notamment du blanc contenant du baryum et du soufre. Résultat : ses jaunes si lumineux s’assombrissent peu à peu. Les travaux publiés ces derniers jours dans Analytical Chemistry sont sans appel : Une simulation montre qu’en 2050, les blés de Van Gogh risquent d’avoir pris un sacré coup de chaud ! Hélas, selon les chercheurs chimistes et experts français du Centre de recherche et de restauration des musées de France, cet assombrissement, comme celui qui affecte « Les Berges de la Seine » peint en 1887, est inéluctable. Les chimistes se sont donc mobilisés pour tenter de trouver un remède à ce mal qui affecte également les toiles de tous les peintres de la fin du XIXe siècle utilisant cette technique.

Google ouvre les portes de 17 musées internationaux à ses internautes. Sur la nouvelle plate-forme les utilisateurs du navigateur peuvent désormais visiter les salles de musées prestigieux et incontournables pour les amateurs d’art, entre autres, le MoMA, le musée de l’Ermitage de Saint-Pétersbourg, la National Gallery de Londres ou encore le Château de Versailles. Lors du lancement du projet à la Tate Britain à Londres, Nelson Mattos, vice-président de l’ingénierie chez Google, a annoncé que d’autres musées pourraient rapidement intégrer le projet.

Dès l’ouverture de la plate-forme, plus de mille oeuvres sont déjà accessibles. Elles ont été photographiées et mises en ligne grâce à la technologie Street View, la technologie mise au point par Google pour faciliter le repérage en ville. Cette technologie permet au visiteur de déambuler de salle en salle en profitant d’une vue panoramique mais également de zoomer sur une œuvre en particulier.

http://www.googleartproject.com/

"Le baiser de la Matrice" est un projet qui met en œuvre une organisation de lecteurs, une société liée par un objectif commun, un territoire nouveau qui regroupe des gens du monde entier lisant en français. Ils ont une technique commune de lecture : ils se filment avec leur webcam en lisant sur leur ordinateur une page de "A la recherche du temps perdu" de Marcel Proust, proposée par une Matrice.

De Papeete à Kinshasa, en passant par Bobigny, la Matrice gère en temps réel la distribution de textes, la diffusion d'informations pour conquérir de nouveaux lecteurs, le montage chronologique du film, et la consultation de celui-ci à tout moment. L'ambition de ce projet est la fabrication de cette Matrice, définie autour de pages, de secteurs de lectures, de pays, de fuseaux horaires qui permet à 3424 personnes de lire la Recherche avec une autre vision du temps.

Si vous n'avez pas encore participé à ce film fou, Le Baiser de la Matrice, entièrement créé par les Internautes et un logiciel, tourné, monté, enregistré en totale autonomie, c'est le moment de vous connecter sur :

http://www.lebaiserdelamatrice.fr/

La plus Grande image numérique du monde. 1655 photos de 21 mégapixels assemblées pour composer un panorama incroyable de précision. Il aura fallu 96 heures à un ordinateur muni de 16 processeurs et de 48 GO de mémoire vive pour assembler ce chef d’œuvre.

vous pouvez visualiser cette image à l'adresse suivante :            

http://www.dresden-26-gigapixels.com/dresden26GP

Marcel Broodthaers - Invitation pour sa première exposition personnelle

à la Galerie Saint-Laurent - Bruxelles, 10-25 avril 1964

 http://www.derien.fr/

Une tentative de l'art (parmi tant d'autres) de s'affranchir de la distance entre le réel et l'image.....

Entre rêve et réalité, les photos d'ARTEFACT invitent à contempler la vie à travers le temps qui passe. Le temps qui casse. Clichés à la fois dramatiques et poétiques où les gens et les choses sont appréhendés comme des fragments du temps.

http://artefact.photography.free.fr/